Observar para encontrar

Hoy vamos con un poco de arte: con motivo de la exposición MEDIDA a tiro de piedra que podéis ver hasta el 26 de octubre en la Sala José Saramago de Leganés, hemos entrevistado a su autor, Kevin McCourt.

Leer en la nube: Nos ha llamado la atención lo ecléctico y la amplitud de miras que aportan las imágenes que aparecen en el catálogo de la exposición. Por un lado dos fotografías que muestran un mismo paisaje (en blanco y negro, y en color), unas ramas pintadas con connotaciones al arte naif y una foto en tonos grises de papeles simulando una montaña sobre un armario. ¿Son partes de un todo?

Kevin McCourt: Son fragmentos colocados juntos para dar la apariencia de un todo. Y este todo tiene que ver sobre cómo experimentamos y percibimos el tiempo y la distancia. En este sentido son ideas y experiencias, tanto irracionales como compartidas, creo, que he intentado organizar de una manera lógica. La manera más lógica, en este caso, fue organizar los objetos como si formarán un paseo nuevo, dado que todo ha surgido de una serie de paseos por los parques de la ciudad de Madrid y el campo a su alrededor. He intentado hacer que se dé tanta importancia al afecto como a la interpretación, o incluso más, porque no quiere reducir los objetos a un significado singular o didáctico.

Esta exposición se centra en una exploración de lugares conocidos y objetos familiares. Así que estamos hablando de percepciones en vez de descubrimientos. Se trata de percepciones, la subjetividad y lo compartido en nuestras percepciones. Aunque nuestras experiencias vitales son muy personales y muchas veces individuales, a menudo compartimos ciertas sensaciones en nuestra percepción del tiempo transcurrido y la distancia atravesada en cuanto a nuestras experiencias a lo largo de nuestra vida. La obra Concertina se refiere directamente a cómo nuestra percepción del tiempo, con respeto a la memoria, parece expandirse y contraerse. Cosas que pasaron hace mucho pueden fundirse con el presente o meterse allí de repente, por ejemplo. 

No obstante, mientras me interesan los conceptos del tiempo, memoria y espacio, no me interesa tanto hacer obras que dependen de una interpretación metafórica para funcionar. Prefiero presentar los objetos tal como son hasta lo posible, quiero decir con la menor cantidad de cambios requeridos para que funcionen como obras de arte. La clave está en establecer su relación con los otros objetos. Esto no es lo mismo que ser aburridamente literal. Se trata de darse cuenta de cosas y jugar, lo que puede ser muy creativo.

Algunos objetos ya vienen con metáforas incluidas, y, por cierto, esto puede causar mucha confusión entre culturas e idiomas. A la vez, se pueden producir objetos nuevos que parecen metafóricos, por ejemplo, los palos coloridos en esta exposición. Aquí, sin embargo, en realidad sus títulos reconocen directamente sus orígenes como seres vivos y que, a pesar de estar muertos, se han convertido en algo nuevo o renovado. Yo diría, incluso, que su relevancia estética depende precisamente de la interacción entre sus dos nuevas realidades, es decir, son objetos naturales y artefactos, aunque este baile se revela de una manera muy discreta. Mucho del arte que veo a mi alrededor me parece muy exuberante o elaborado o cargado de un simbolismo espeso, incluso obras que se describen como minimalistas o conceptuales. Por alguna razón, me estoy moviendo cada vez más en la otra dirección, hacía lo sencillo, directo y elegante. Esto se ve más en las obras que estoy haciendo ahora, espero.

Formalmente hablando, este espacio, la Sala José Saramago, es bastante neutro y bastante grande. Creo que las fotografías crean un contexto más acogedor para los otros objetos y viceversa. El contexto de una exposición o presentación, incluso online, siempre es importante. En otras circunstancias, a lo mejor trabajaría de otra forma. De todas formas, he intentado construir un nuevo paseo que implica una conversación tanto entre los objetos en sí como entre los objetos y los visitantes. En otras circunstancias, a lo mejor trabajaría de una manera más minimalista o conceptual.

Con respecto a las fotografías, sí son imágenes muy detalladas hechas con una cámara analógica de gran formato, pero siempre deberíamos tener en cuenta que la fotografía puede hacer visible lo invisible o viceversa, lo visible invisible. Estas imágenes no han sido manipuladas, por lo que la elección de objetivo, el tiempo de exposición, la apertura y las decisiones técnicas en la impresión han sido los factores decisivos en lo que podemos ver aquí. Me refiero a cómo el proceso fotográfico, a partir de las interacciones del fotógrafo y su cámara con el entorno, da forma a algo nuevo, una imagen, una superficie que, en algunos casos, puede parecer atravesable.

Las montañas en la fotografía Montañas de la Mente las hice con papel de cebolla un día durante el confinamiento.  Esta obra habla de la importancia de la creatividad y el optimismo. Las montañas de papel son manifestaciones concretas de distancia y tiempo reimaginados.

Leer en la nube: En primer lugar, nos gustaría saber cuál es el detonante, el clic que activa tu proceso creativo. ¿Primero surge la idea y después buscas el qué y el dónde o es al contrario?

Kevin McCourt: Es una mezcla. Me veo inspirado por el trabajo de muchos otros artistas y esto hace que salga con ciertas ideas de lo que voy a hacer. Estas ideas se van modificando a base de lo que experimento por el camino, conversaciones y encuentros fortuitos; vuelvo a organizarme y así sigo adelante. Así que es un proceso un tanto caótico, dirigido por el surgimiento constante de ideas o la conciencia de la necesidad de modificaciones. No obstante, siempre presto atención a cómo las distintas cosas que estoy haciendo pueden formar algún tipo de conjunto.

Los procesos de recoger, editar, añadir, editar de nuevo, reensamblar y re-presentar están informados por la lectura, la teoría y mi experiencia reciente de colaboraciones interdisciplinares. Pero creo que el trabajo de otras artistas es la inspiración principal. Por eso, a veces pongo el nombre de otro artista en la cartela, como he hecho aquí.

Leer en la nube: Una vez que tienes claro qué hacer, ¿Cómo es el proceso creativo que sigues hasta llegar al resultado final? ¿Tienes un objetivo y un camino marcado o el proceso modifica el objetivo para llegar a resultados que te pueden sorprender?

Kevin McCourt: Es una mezcla. Siempre hay experimentación acondicionada por experiencia. Una parte de mi obra se podría considerar conceptual, es decir, tiene un objetivo y camino marcado, pero siempre hay sorpresas y cambios de opinión por el camino que obliguen cambios. Y añadiría que lo que hago no siempre se centra en la idea sino también en el proceso, por ejemplo, de crear imágenes o texto. Se puede hablar, y no es nuevo hacerlo, de los tres estudios: el primero es la concepción o la mente; el segundo es el lugar físico donde se cristaliza y se fabrica la obra, y el tercero es el montaje de la exposición.

Leer en la nube: ¿Qué tipo de estímulos activan tu creatividad?

Kevin McCourt: ¡Todo! Conversaciones, observaciones, cosas que encuentro, experiencias vitales, libros, películas, obras artísticas, filosofía, teoría, hasta la ciencia. No obstante, mis inspiraciones en términos de los procesos y forma de mi obra son mayormente artísticas.

También me gusta trabajar en colaboraciones y las obras colectivas. De hecho, hace unos años trabajé en un proyecto de escritura colectiva online con un físico teórico y coders. También estaba en contacto con proyectos colaborativos que utilizaban medios digitales, electrónicos y telemáticos. Ahora estoy planificando actividades colaborativas que se desarrollan cien por cien en el mundo real.

Leer en la nube: ¿Cuál es el mensaje que pretendes transmitir a quienes van a ver la muestra?

Kevin McCourt: No hay ningún manifiesto adjunto. El objetivo es crear una situación en la que la gente deje de correr, un evento, una oportunidad para quedarse y reflexionar un poco y ver el valor en esos modos de ser porque así te conectas más con el mundo a través de tus experiencias vitales, en el momento y después, incluso con otras personas. Espero que mi trabajo, en crear ciertos entornos físicos y provocar sensaciones, nos anime a repensar nuestras actitudes hacia el ahora a medida que nos enfrentamos al futuro.

Está claro que la exposición se centra en varios conceptos muy específicos: la medida, el tiempo y la distancia física. Habla de desplazamientos y deslizamientos. Lo que se presenta es el resultado de reflexiones sobre cómo estos conceptos interactúan con las nociones de la caducidad, la función y la perfección.

En un sentido mucho más amplio, he intentado establecer un equilibrio entre el contenido y los aspectos formales, entre la inmersión y la contemplación, para que la sensación y la comprensión puedan coexistir.

Leer en la nube: ¿Tiene algo que ver tu origen escocés (entendiendo que está ligado a las fuerzas de la naturaleza: tierra, aire, agua…) con las respuestas que dan tus obras?

Kevin McCourt: No me considero artista escocés en cuanto a la obra que produzco, aunque si soy escocés. Digo esto porque mis inspiraciones son eclécticas y he vivido y trabajado en varios países. No obstante, algunos de los artistas que me han inspirado mucho viven y trabajan en Escocia y siempre hay ciertas preocupaciones o temas que tienen que ver con tu propio desarrollo.

No sé si mi trabajo tiene algo que ver con las fuerzas de la naturaleza. Yo diría que se trata más de la mirada contemplativa y la percepción personal o colectiva, que son cuestiones más bien culturales o sociales. De todas formas, yo pienso en la naturaleza, si viene sin adjetivo, como algo omnipresente, no como algo necesariamente elemental, grandioso o austero. Toda vida es la naturaleza, igual que los elementos, y, por lo tanto, la naturaleza no está divorciada de la cultura.

Las imágenes presentadas son grandes y detalladas, pero también son bastante sencillas y directas. Son lo que son, imágenes, hechas con una cámara de gran formato y los movimientos que ofrece, pero, al final, tienen una estructura formal muy simple.

En fin, mi trabajo está siempre ligado, de alguna forma y casi por definición, con un lugar concreto, pero este lugar es el espacio donde estoy trabajando. Y mis obras se hacen cerca de casa, normalmente no es necesario viajar, pero espero que tengan una relevancia universal.

Leer en la nube: La manipulación de la naturaleza en tus obras, ¿Es una forma de explicar la fuerza de lo primario o de cuestionar y poner sobre la mesa otras realidades posibles?

Kevin McCourt: La naturaleza no nos promete a los seres humanos nada; pero no es cruel, sino indiferente. Y la tenemos que tratar con respeto. Aquí he intentado usar materias primas locales, recogidas mientras camino, cosas ya hechas, y procesos menos contaminantes. También entra la cuestión económica, claro. No hay un mensaje explícito, pero allí está como característica logística. No es necesario usar materiales y procesos muy caros o derrochadores, ni viajar grandes distancias para hacer obras válidas. Se puede usar lo que hay a mano.

Yo diría que, con la manipulación o reconfiguración de los palos recogidos, he hecho lo mínimo necesario para llegar a hablar de los conceptos principales abordados en la exposición: la medida, el tiempo y la distancia. Por cierto, tengo planes para estos palos, una especie de retorno a su estado y función original.

Leer en la nube: Mezclas realismo (incluso detallado con las referencias GPS), con fotografía (color y BN), con pintura primaria y lo envuelves todo en una reflexión conceptual. ¿Este uso de múltiples artes aparentemente contrapuestas aportan unidad a tus propuestas? ¿no provocarías un mensaje más directo y claro focalizando con un solo lenguaje?

Kevin McCourt: ¡Puedo pensar en muchos artistas muy interesantes que usan más técnicas mezcladas que yo! 

Aquí lo que intento no ser es reduccionista. Creo que el todo puede ser mayor que la suma de sus partes, y lo digo por mis experiencias tanto en ámbitos artísticos como científicos. Aquí hay elementos que se apuntan en direcciones diferentes, o que usan diferentes materiales o procesos, pero esto a veces ayuda en que el todo salga mejor y más presente.

Proporcioné las referencias GPS por una razón muy parecida. Permiten que cualquiera pueda ponerse en el mismo lugar donde estaba yo. Es un acercamiento o invitación.

Podría haber hecho lo que hay aquí con el dibujo o la poesía concreta, sin la necesidad de más. Es verdad. Pero he decidido proceder con la idea de variedad y de establecer relaciones conceptuales y formales entre los distintos elementos presentados. Espero, por cómo se ha montado, que cada idea que surja se conecte con otra, y que se vean las relaciones que he intentado sugerir entre los objetos presentados y los elementos pictóricos en las fotografías colgadas. A lo mejor mi meta no es la de buscar coherencia pura y dura o de insistir en transmitir un mensaje claro. Tampoco quiero insistir en que el visitante llegue a una interpretación. Pero si quiero construir un recorrido y facilitar una experiencia de un todo más complejo, fluido y, a la vez, inevitablemente fragmentado. Así es la vida. 

Leer en la nube: Me refiero a la opción de artistas del Land Art como Andy Goldsworthy, Jon Foreman, Lee UIfan, Richard Long, o Richard Shilling entre otros… y aprovecho para preguntarte cuáles son tus referentes artísticos o autores que te han dejado huella.

Kevin McCourt: Claro, la base es un paseo. Hay un enlace bastante evidente con el Land Art. También con Arte Povera, si pensamos en el uso de materiales humildes. Todas son inspiraciones. Mis inspiraciones artísticas son muchas y diversas: Ian Hamilton Finlay, Alec Finlay, Joan Brossa, Hiroshi Sugimoto, Susan Derges, Bernard Lassus, Lothar Baumgarten, Jochen Gerz, Juan Cruz, algunas cosas de Gabriel Orozco, hasta coloristas y artistas que trabajan mayormente con texto. También me interesan mucho las intervenciones minimalistas, por ejemplo. De hecho, tengo unas planificadas para el futuro cercano. ¡Sígueme en Instagram!

Leer en la nube: También nos gustaría que nos comentaras algún proyecto que tengas en mente…

Kevin McCourt: Tengo otros proyectos para el futuro que tienen un enfoque un poco diferente, algunos proyectos más participativos, por ejemplo, un evento para niños; un tipo de gymkhana donde tienen que caminar por la casa de campo buscando una serie de lugares con la ayuda de un mapa. En estos lugares encuentran unos sellos de cauchos, tinta y postales y van completando su propia postal. Es una tradición que se llama letterboxing en inglés.

También quiero terminar un proyecto que está a medio camino. Un proyecto que combina texto con fotografías hechas en Escocia, España, Irlanda y México, lugares que forman parte de mi pasado, presente y espero, futuro.  He hecho la primera parte en España y México. Ahora queda pendiente la segunda parte.

Y seguiré produciendo mail art, es decir, postales. Cosas más sencillas, conceptuales y a veces con un poco de humor. He empezado a publicar mis ideas y propuestas, y unas obras pequeñas, en Instagram. Me gusta plantearme el reto de publicar con regularidad.

Y si tuviera un jardín estaría lleno de obras.

Leer en la nube: Y para finalizar, recomiéndanos algún libro y alguna película y/o serie que hayas leído/visto últimamente.

Kevin McCourt: Me gustaría recomendar dos libros, uno clásico y el otro publicado recientemente: Moby Dick de Herman Melville(1851) y Montañas de la Mente de Robert MacFarlane (no ficción, 2020). Las dos son exploraciones magistrales de las relaciones complicadas entre la mirada, la percepción y la obsesión.

Kevin McCourt es artista y profesor. Su trabajo reciente aborda los temas de la medición y la mediación con respecto a nuestras experiencias vitales en espacios físicos compartidos. Terminó su Maestría en Bellas Artes (MFA) en la Escuela de Artes de Glasgow en 1995. Ha expuesto, enseñado, dado conferencias y talleres en muchos países incluyendo el Reino Unido, Japón, México, Alemania y España.
Puedes seguir su trabajo desde su web, desde su blog o desde su instagram.